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[转载] 从15岁到90岁,毕加索如何画自己?

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发表于 2019-3-14 20:07:28 | 显示全部楼层 |阅读模式

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大卫·道格拉斯·邓肯拍摄的毕加索
提起爱画自画像的艺术家,我们首先想起的或许是伦勃朗和丢勒。实际上,西班牙艺术大师毕加索也曾绘制大量自画像。有趣的是,如果你将毕加索最早的自画像和最晚的自画像放在一起比较,会发现它们有着巨大的不同。
“不必将我在艺术创作中使用的不同风格看作为一次革命,或者是通向无知绘画理想的阶梯…”毕加索对自己风格的改变这样解释道,“不同主题不可避免地需要不同的表达方式。这并不意味着任何的革新或进步;这与一个人想要表达的想法、和他如何表达这个想法有关。”
从15岁到90岁,大师毕加索绘画的风格到底发生了怎样的转变?他的自画像也许就是最好例证。
1896年,15岁
毕加索 Picasso - Self-Portrait
1900年,18岁
毕加索 Picasso - Self-Portrait
1901年,20岁
毕加索 Picasso - Self-Portrait
1906年,24岁
毕加索 Picasso - Self-Portrait
1907年,25岁
毕加索 Picasso - Self-Portrait
1917年,35岁
毕加索 Picasso - Self-Portrait
1938年,56岁
1965年,83岁
毕加索 Picasso - Seated man (Self-portrait)
1966年,85岁
1971年,89岁
1972年6月28日,90岁
1972年6月30日,90岁
1972年7月2日,90岁
1972年7月3日,90岁
#毕加索


发表于 2019-3-14 20:36:07 | 显示全部楼层
吓死人,我看到要撕掉。

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吴焱金 + 5 情真意切!

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 楼主| 发表于 2019-3-14 20:42:42 | 显示全部楼层
嘉兴老头 发表于 2019-3-14 20:36
吓死人,我看到要撕掉。

哈哈,人家可是世界大师,他的每幅画却价值不菲,一张自画像够你买几套房!
发表于 2019-3-14 20:57:18 | 显示全部楼层
作者:急比轮
链接:https://www.zhihu.com/question/19934954/answer/24873463
来源:知乎
著作权归作者所有。商业转载请联系作者获得授权,非商业转载请注明出处。

首先,明确几点:


1、  对于美术作品,哪怕是再经典的,被评论家,美术史家奉为大师杰作的作品。你同样可以认为是不美的。这毫无问题,审美本就是一个主观的东西。但,你不能因此否认他的价值,更不能就不允许其他人认为它美。因为他们可能从不同的角度来看,可能结合了更多地东西来看。


2、  艺术史上有许多形式上的探索。这些形式上的探索犹如晶莹的浪花,美丽但也许短暂,底下的海水才是主流。他们的价值不在于彻底推翻主流、推翻古典、取而代之,而是告诉你,艺术还能这样。形式还能这样探索,这种形式探索到极致是这样的。而一直以来,传统也被保存在审美影响之中,从未被抛弃。只是,十九世纪末以来,受达尔文进化论影响,人们认为社会一定要进步,一定要创新,这就导致形体的过得地夸张,导致艺术边界的模糊。忽略了主体,好像大众喜欢的就是庸俗的,小众的就是前卫的,这是错误的。他们探索的是有价值的,但不意味着艺术的主流。其实到现在,在画廊里,老百姓看得最多的还是架上画,经典的。现代的画廊可能一会儿就看完了,的确他们有时是不会令人花很长的时间去沉思,因为是高度形式的。不过,他们还是有价值的,可以认为不美,但不能简单否定。

3、  我们如今所看到的艺术史,特别是现代艺术,特别突出了那些形式上的探索、革新、反传统。而且,对于一个艺术家,往往最被常提及的是那段反传统的、创新的时期,其他往往被忽略。其实,有许多艺术家,早期的作品也很传统(因为往往接受学院派训练)而后期,也有不少艺术家回归传统。所以,我们印象中对一个艺术家的形象往往是不完整的。可能只是他一个特定时期的特定的一些作品而已。

接下来看毕加索。


先给个定位:

当代西方最有创造性和影响最深远的艺术家,对绘画的解放,对形式的打破,他与马蒂斯一样,是真正的大师。

毕加索自然不会是一出生就探索“立体主义”的。
他说过这样一句话:
十三岁的时候,就能画的像拉斐尔,但到70岁时,才能画得像个孩子。
一些作品的图片我暂时没有找到,抱歉!以后找到会补上,但目测比较困难,如果有知友有的画可以告诉我。

毕加索的创作生涯也是在不断地探索,或者用他自己的画来说,是在发现。
从具有哥特风格的格列柯风格,到古典风格,再到印象主义、后印象主义,尤其是塞尚的影响,最终在变化和融汇中,形成了自己独特的艺术风格。

这种风格的关键因素,即是如何处理画面空间的问题。
我们来简单梳理一下艺术史上绘画空间表现的变革。记得张公子在回答中提到过,早期的西方艺术和东方艺术一样,看起来都不那么写实,原因在于不重视透视与光影。而西方绘画是如何改变的呢?

1413年,布鲁内莱斯基进行了透视法实验。1425年,马萨乔的《圣三位一体》是较早运用透视法的范例。

而到了文艺复兴时期,透视法被运用的越来越成熟,越来越自然。
拉斐尔《用雅典学院》

巴洛克时期,则越来越强调宏大强烈的纵深效果。

这种对透视的追求,到了达维特时,大声了改变。如《贺拉斯三兄弟之盟》《苏格拉底之死》有意识的对三度空间加以了限制,开始强调画面的二维属性

在画面空间观念的演化中“三维幻觉的立体”与“二维实际的绘画表现”一直是一对矛盾。
现代最富盛名的批评家之一格林伯格则说:现代的西方绘画,就是不断走向平面的过程。

那么毕加索的立体主义,到底对画面空间做出了哪些探索?
先看一下美术史上给毕加索创作进行的分期:

蓝色时期(1901-1904)
因为贫穷,生活拮据。画面主调为蓝色,基调忧伤。如作品:《生命》《悲剧》《女人和乌鸦》
-

玫瑰红时期(1905-1906)
这一时期有人认为是他生活好转,作品售出,受到认可,心情变好。也有人认为是当时他经常出入于马戏团,马戏团内部就是这样的艳丽装潢。《母与子》《马戏团的一家人》
-

分析的立体主义(1907-1911
)与勃拉克的接触,受塞尚的影响,已经基本探索出自己独特的风格。最饱受争议的作品《亚维农少女》。你很难认为这就是美的,但他的确做出了前无古人的探索与尝试,实为与文艺复兴后奠定的写实主义传统的彻底割裂。
-
综合的立体主义(1912-1914)采用collage,拼贴手法。把一些文字、字母放进去。因为一味的碎散物象会脱离现实,于是将现实中的东西放进去。作品比如《吉他》。这时已经走到了抽象的边缘。(真正迈出抽象一步的是康定斯基)
-
而事实上,毕加索一直活到1973年,基本跨越了整个20世纪的美术探索,这也是他影响极其深远的原因之一。
其实很容易发现,成熟时期毕加索作品的特点:物象是几何体,进行了概括与抽象画面空间没有了三度空间的效果,没有透视,不再按完美的人体比例。甚至,视点是游移不确定的。其实这些特点在塞尚的作品中也有体现,但毕加索将其创新并发挥到了极致。

参考《艺术的故事》,试举《小提琴与葡萄》一例:


这是毕加索1912年的作品,也就是在综合的立体主义时期创作的,风格已经很成熟。

其实,我一直很想说,毕加索的画室胡来吗?显然不是。他的画看起来似乎很乱,像一堆碎片,然而事实上,他的作品却反映了另一种真实

没错,存在于你脑海中的真实。

大家可以想一想,平时我们在脑海中随意想起一件物品,我们是能很完整的想到它的所有细节,同时出现在脑海中,构成一个完整的形象。还是只是想起一些最有特点的地方,而这些有特点的地方,可能有的是俯视看的,有的是从正面看的,有的是从侧面看的,但他们同时出现在我们的脑海里,就构成了我们印象里的这件物品。

就拿这幅《小提琴与葡萄》来说:
提琴的涡卷形的头部明显是从侧面看,但主体又是正面看,琴弦和弓不在固定位置,而边缘的弧度也被夸大了。这乍看之下很不规则,但实际上,我们在想象一件物品时,恰恰就是这样的。我们会想到侧面的涡卷形头部,因为从正面看它别无二致,我们会想到弯曲的边缘,以往内我们根本无法正确估计它的弧度。
毕加索的作品,实际上用几块平面片断在观众的心目中构成了一把可感可即的小提琴的实体形象,甚至可以说,探索发现了视觉与幻觉之间的关系。


而毕加索实际上真的是一个想象力极丰富,对形式极其敏感的艺术家。他的一些雕塑作品受到非洲艺术影响,形式高度概括,富有感染力。还有一些铸铁的雕塑甚至影响到构成主义。
大家看这样一个简单作品,只是自行车的两个零部件,但就是如此传神,也并不是那么容易就能想到的。

还有毕加索的一些其他作品,给大家欣赏一下。
《哭泣的女人》
朵拉玛尔,一个超现实主义的女摄影师,毕加索众多情人中的一个

《公鸡》《母鸡与小鸡》
漫画式的处理


《小孩子头像》《头像》
这两幅头像竟然是出自一人之手


《穿小丑服的保罗》
这是毕加索的儿子。
但做毕加索的儿子也挺苦的,毕竟毕加索大师的个人生活实在是...不过这并不影响他的艺术创作。甚至毕加索会从他众多的情人那里吸取灵感,有一本毕加索的传记非常贴切——《创造者与毁灭者》。


以及一个著名视频《毕加索与公牛》

毕加索与公牛_在线观看1个视频

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《毕加索最后的自画像》

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编辑于 2016-04-18

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知乎用户




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(多图预警)
我没长时间系统的学过美术,但是比较喜欢画画。我曾经的美术老师,看了我的画…
“呵…毕加索么…”
当时以为是夸自己的。
很多年后,才知道毕加索意味着什么。


先来看看毕加索13-15岁的创作


学过素描的孩子应该明白。(●°u°●)​ 」























(图不是很清楚,SORRy…老毕。)

毕加索说过,14岁的时候,我画的就跟拉斐尔一样好了。


这句话甚至被认为是谦虚

—————————
等到20多岁后他开始对绘画有了新的理解









画开始像抽丝剥茧般的表现出性格,你会感觉,哦,这个女人真的很朴素,哦这个女人很放荡,哦,这个男人一定很懦弱。

写实的作品很容易表现出来作者的技巧,欣赏者的受众也比较广,一些超写实的作品甚至像照片一样的真实,这很容易有个评判标准,好就是好,不够精致就是不那么好。
但是一副画作中很灵魂的东西,是一道天然的瓶颈。有些画家终其一生都想在作品中表达出来自己的理解,或者被别人所理解。就是缺乏了一抹灵气,与大师宗师咫尺天涯。

三十岁后的毕加索,也就是世人震惊的毕加索



从这时候开始,再无人能在绘画上超越他,甚至接近他对绘画发展的贡献。

他开始打碎这个经过千年发展的艺术,或者给出了艺术的另一种定义。

而对后世的影响,这张毕加索画的《牛》。
不需要任何多余的解释,一目了然。





这个世界的所有物体,动物,或者景色,其实都是线条组成的。从线条的角度来说,世界是死的。
高明的画家能透过作品华丽的修饰,看到一些非常简单而又准确的线条。
————————
我们绘画,把纸张,或者将要创作的东西当成载体而表达所想。
从来没有让,内心变成画作载体。
就是没有这幅画出现,那种麻麻苦苦的感觉在内心已经画罢了。


描绘情绪,
注意,不是纪录情绪。

你们知道最擅长描绘情绪的是谁吗?
正是我们每个人天真无邪的时候。
简单的喜怒,没有技巧。
彩色气球,左右手拉着的我爸爸妈妈,游乐场,小猫咪。。哭泣着写作业的小孩。。可怕的怪兽
——————
而毕加索,用时代最顶尖的绘画技巧去还原最纯粹的内心。
40-死前













编辑于 2016-01-22

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Samonwise


斯坦福大学 比较文学博士在读




190 人赞同了该回答

私以为这种提问方式至少是诚恳的。我大概永远不会忘记第一次走进伦敦“Tate Modern”当代艺术馆时的感受:一切都显得那么有趣,可是它们都好在哪里呢?

这和我第一次走进慕尼黑的旧美术馆看见鲁本斯伦勃朗卡拉瓦乔拉斐尔时的惊叹截然不同。后者似乎是显而易见的好:有故事,比如希腊神话,旧约叙事,历史典故;有逼真的写景或状物;有美丽的裸体。而在以“Tate Modern”为代表的当代美术馆里:有生锈的铁轨散落一地,有麻绳拧着铅块压着莫名其妙的钢筋,有一整幅只有一种颜色的“画”,有一张中间被刀划开一条漂亮的细缝的画布。我们被告知(不是被某些具体的人或事,而仅仅是被它们被摆放在艺术馆这一事实)它们是美好的艺术品。

然而提出这种“好在哪里”的问题之后,也会分作两种对立的态度:一部分带着疑问,循着直觉,通过阅读、思考和讨论慢慢地给自己做出了一定的回答;另一部分则选择了仇视——我参与不了的乐趣,当然只是某些人虚伪的狂欢罢了。

回到题目。毕加索名气大,许多人便把这问题的矛头指向了他:他画那些四分五裂的裸女,到底是想说什么?
第一次看毕加索是2011年上海轰动一时的毕加索大展。地点是世博园的中国馆。来欧洲以前没有真正的在美术馆看过画,对现代艺术更是一头雾水。但是那次观展的体验却令我难以忘怀。

我带着“毕加索究竟好在哪里”这样的问题走进展馆再走出展馆。我盯着每一幅画反复地看,像看一些来自外太空的事物。现在看来,那些画作对于当时的我的确有如来自外太空:它们完全存在与我的知识视域之外。
比如这幅“朵拉玛尔肖像”。



我一走近她面前,就感到一种“sweet melancholy”(甜蜜的忧伤)写在她脸上。绿和紫的脸部和橙与红的背景形成强对比,我很快进入“状态”——看毕加索们所必须的状态——放弃一切写实的幻想,把图像还原为图像本身。

再比如这幅“孩子与鸽子”。



我用如今受过训练的眼睛来看,会看到各种用典(allusion)和象征(symbols):白鸽与圣灵,婴儿与耶稣,立体主义的内部空间,画家通过对画室的暗示表示对绘画艺术本身的关照的“元艺术”等等。
而在当时,我的感受则是(摘自当时留下的笔记):
两只鸽子几乎像敌对的双方——正义与邪恶?有人和动物,却是彻底的静物画;几乎能看到房间里的阳光!阳光如此彻底、普遍,几乎空间里的一切都消融其中。 这显然是密闭空间,没法追溯光源,光不是从哪里来到这里,而是已经在那里!这种非经验性的经验力量: The power of “Already there” 而非“Getting there”。Art is about something  “Already there”! 角落里的“人”,没法说清是老人还是婴儿。又是张力:这幅画是关于对比、和戏剧性的张力的。同时也关乎这种对立的解决。(暗示:解决的方式是艺术?)

如今看来,这些一度让我热血沸腾的诠释,很难称得上准确。然而却说明了如果你看得足够仔细,无须特别的训练,你依然可以得到很多美好的体验。某一些艺术哲学(比如“读者接受理论”派)强调作为观者(或读者)的体验是唯一真实的艺术评价标准。不存在客观的艺术品,不存在客观的作者,也不存在客观确定的观者(或读者),真实存在的只是这些经验。私以为有很多正确的地方。

接下来简要提几个标签。

现代派与现代主义
包罗万象的标签。我写里尔克的论文时需要观照这个标签,写关于阐释学的文论论文时需要关注这个标签,写世纪末的维也纳的文化史论文时,当然还是离不开这个标签。然而对于每个人文领域的学者,这个标签几乎都有着截然不同的具体含义。

“现代主义”与这个题目相关的一些含义:
  • 回到窗框前面来;
西班牙著名的艺术理论家奥尔特加 加塞特曾称现代艺术的要素是提醒观者退回到几百年来一直作为“窗框”而存在的画框前面来。文艺复兴以来的西方视觉艺术传统是一种写实主义的“致幻”传统。不论是建筑、雕塑还是绘画,一切都是符号(能指),一切都有指称(所指)。而现代艺术——不管是认为从库尔贝(Courbet)起始,是从印象派起始,还是从塞尚起始——则是提醒人们这些视觉艺术的符号媒介本身。画框不再是窗框,而变成了镜框。我们不再被诱骗着走进画框,进入一个三维的“虚构现实”,而是通过回到符号媒介本身,去思考“现实”到底是否可能,以及如何可能

2. 抽象的根据:
加赛特的名作《艺术的去人格化》启发了后世许多关于现代派艺术的理论文本。比如美国艺术史大师列奥 施坦伯格(Leo Steinberg)就曾在他的名作《另类准则》(Other Criteria)里提及这一概念。他提到了乔伊斯和他的斯蒂芬 达德勒斯,说起乔伊斯曾经拿着第一版的《尤利西斯》高喊:这是我身体的一部分。“去人格化”在这里是一种广泛的对文艺复兴以来,一直到十九世纪达到顶峰的“人本主义”的反抗:不仅艺术不受制于人的主体,广泛的人的认知也不应该受制于主体的狭隘。这种想法也不可避免地引向了二十世纪初兴盛一时的现象学。

3.   现象学的影响
现象学从胡塞尔开创起就致力于打造一项理论上“最精确也是唯一精确的”科学。现象学不仅认识到人的认知受限于主体,并且强调一切真实的认知和科学都应该建立在对这一事实的承认基础之上。这不仅影响了如里尔克的诗歌,也影响了从塞尚以来的整个现代派美术革命。
借用里尔克在《马尔特手记》里的话讲:他们(是指所有现代派的艺术家们)都在彻底地重新学习如何看(lernen zu sehen)。他们不再试图通过眼睛所接收到的光影信息,按照文艺复兴以来的古典传统,按照一系列的符号对应原则去还原一个个虚构的现实;他们不再还原,他们关注的是这些光影信息本身:这样说来,不论是塞尚的风景或静物,马蒂斯的色块,还是毕加索的四分五裂的裸体,都似乎可以谅解了。


标签:立体主义
立体主义最初是和布拉克(George Braque)联系起来。毕加索后来居上,名气完全盖过了先师。解释立体主义的文献汗牛充栋,其含义在不同语境下也是截然不同。并且除了显而易见的立体主义美术以外,还有立体主义诗歌(中国现代诗里就有立体主义派别),也有立体主义音乐,相比于绘画或者雕塑这些空间艺术,立体主义在后面这些时间艺术里的含义和导向,都显得不甚明了。
简言之,对于毕加索而言,立体主义是:
  • 通过对画布这个二维媒介的称赞,提醒人们抛弃传统的三维“致幻主义”,用全新的目光去看待艺术
  • 一种取消事物彼此价值等级的尝试

其中第二条需要解释。
施坦伯格在《另类准则》里最著名的一篇论文当属其分析毕加索的“阿尔及利亚女人”的文章。他分析了毕加索创作十八幅草稿的心路历程,也向我们充分展示了毕加索通过立体主义技法取消事物“先验”的价值等级的尝试。
简言之,在人本主义的图像传统里,任何事物(作为符号,或“能指)都有一定的已经分配的“价值”,比如这幅典型的十七世纪尼德兰静物画:


画里的一切事物都被预先分配了确定的意义与价值:葡萄酒、镜子、桌子、提琴、面包、器皿、乌龟。它们彼此有着确定的关系,于是也有了确定的价值等级:比如葡萄酒与葡萄酒杯的关系是确定的,而它们一起与镜子中的映像的关系也是确定的,而一切餐具和食物和整张餐桌的关系也是确定的。画家通过发展了两百多年已经纯熟的透视法技术把这一切价值等级关系打点得清晰明了。

而这幅塞尚的静物画,则赫然宣称这种传统的价值等级不复存在了。他处心积虑地修改透视法,或者说抛弃透视法,把梨子、桌子和瓶子分别还原为梨子、桌子和瓶子的图像本身,它们在画面中的关系于是不再是事物的,而是图像的。它们不再拥有价值差异,不再彼此统辖。它们平等。



在毕加索的“四分五裂”的人物画像里也是如此:


传统肖像画给人的五官分配一些具体的价值,并展示其具体的统辖关系。而毕加索彻底抛弃了这些关系。眼睛不再是眼睛而是眼睛的图像。于是人脸不再遵循传统透视法的要求而被刻画地有如镜中倒影,而是一些现象学意义上的图像本身。自然,空间位置也不再成为限制,那么眉毛、鼻子、眼睛、嘴都可以互相替换位置,旧的秩序已经土崩瓦解了。

篇幅限制,不再继续说下去。其他答案里提到过比如的“Guernica”与政治参与性,自然也是毕加索伟大的一个重要因素。奥威尔(George Orwell)不就曾说,一切艺术都必须是政治性的。这是伟大艺术的前提。再比如他持久的高产,也是他日后反超很多前辈的重要原因。当然还有比如他持续的(几乎是拜伦式的)自我标榜,也是他后来在生前就几乎被“封圣”的缘由之一。

要说“毕加索好在哪里”,自然不是一篇简单的说明文字能够完成的。有一整个学会和无数大学和研究机构的学者们都在穷尽毕生心力为这个问题贡献一些答案。我想,我们要做的,就是谦虚一些,带着好奇和敬畏,不断地看,不停地学。毕竟扩充自己的视域,永远是乐趣无穷的事。

编辑于 2016-04-07

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大Joy


Sociologist




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谢谢邀请。小学和中学美术书里常有毕加索,我当时觉得:这怎么也能算大师,跟我画的差不多嘛!(即特别难看)
我一直觉得现代艺术就是天书。但后来,从西方艺术史看起,吭哧吭哧看到20世纪——当对“传统”表现方式比较熟悉的时候,再看到毕加索,才忽然觉得这个人非常有创意,他一下子打开了另一片视觉表达方式:原来形状是可以这么表现的,空间是可以这么拉开(或压缩的),等等。
就如同你有一天发现,嘿,话还可以这么说,饭还可以这么做,情书还能这么写,等等等等。当然,要能更好的体会这一点,前提是你事先相应大概知道怎么说话,怎么做饭,怎么追男/女孩,等等
另外这事确实萝卜白菜各有所爱,比如和毕加索平行的马蒂斯,除了少数作品,我基本完全不能欣赏,完全不合口味。
发布于 2012-01-29

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小悠


画图酱~




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  大家都说得挺好的,从生平到风格到八卦,都说得很仔细了,那我就单纯谈谈对他作品的一些想法吧
  首先,我不是专业人士,也没有经过考证,如果有什么错漏,欢迎大家指认。

  这幅画的名字叫做“小孩与画家”
  看到这幅画的时候,我的脑子里出现了几个问题:
  1.这是在什么地点?
  2.为什么小孩好像很开心的样子,而画家却一脸吃惊?
  3.为什么画家会坐在地上,并且用手扶住小孩?
  4.右下角的白色线条是画笔么?而它旁边的是不是就是调色盘呢?
  5.绿色的线条是什么?为什么好像有褶皱的样子?
  6.把所有的东西串起来,好像是在描述一件事。那到底发生了什么事?
  我猜想,事情可能是这样的:
  “某天,我正专心致志地作画,我那三岁的小侄子突然兴奋地向我冲过来,我一个不留神,被撞倒在地,桌布也掉了,调色盘也飞了,他还是兴致高昂,抓着我的画笔舞来舞去,没办法,我只好扶住他,任他胡闹。


  再比如这个。
  看到这幅画的时候,我的脑子里也出现了几个问题:
  1.这是个女人,她的五官有什么特色?
  2.她会是怎样性格的人?
  3.如果是在现实生活中,她大概是怎样一种形象?
  这也是个女人,但是她和上图的是同一种类型的人吗?
  我想,上一副的,一定是个黑人,她有着圆圆的杏眼长长的睫毛,又浓又黑的眉毛,嘴唇丰厚性感,头发又粗又硬。她爽朗率直,内心火热而激烈,一旦认准一件事,就会执行到底,谁也别想让她改变主意。总之是个温柔智慧,火热坚定的女性。
  而第二副呢,一定是个金发碧眼的白人。眼睛又细又长,鼻梁又挺又直,薄薄的嘴唇轻轻抿着,不笑的时候也带着几分挑逗,特别是当她轻轻摇头的时候,耳坠也会跟着晃动闪烁,衬得她眼睛亮更迷人了。她也许是个上流社会的人,喜欢舞会,喜欢成为人群注目的焦点,但骨子里却是个非常冷静理智的女人。
  那这幅图呢,我猜想也许是这样的:
  “我永远都记得那天下午,我们侧坐在壁炉前,莉莉莎就坐在鲜红的沙发上。薄薄的轻纱滑落在她肩上,露出雪白细腻的脖颈,空气里,只有纸页摩擦的声音。她就这样轻轻看着我,娴静而温柔,当她轻撩长发的时候,时间好像都静止了。”
(莉莉莎是我随便编的名字,情节也是胡乱猜测的)

   再比如这一张,我猜想大概是这样的:
   “某天散步的时候,我看到一个美丽的女性,她是那么的高贵,端庄。她就端坐在扶椅上,身体挺得笔直,望着窗外的蔷薇,默默流泪。我想上去问她,我想上去安慰她,但我只是个过客。”
  好了,例子都说完了,现在我来说说,为什么我觉得他是个了不起的艺术家。
  首先,我觉得不管是绘画、诗歌、文学还是音乐,都是非常感性的,很多时候,只是生活细碎零散的片段,一晃而过的情绪,其本质都是想通的:某时某刻,某人看到了什么,想到了什么,发了几句无关痛痒的感慨,其他人看到了,觉得心有戚戚焉,于是就流传下来。所以,当有人问毕加索,“什么是艺术”,他才会说,“什么不是艺术”。大概,就是艺术就是所有人类的感情,而他所表达的也正是这样一种情绪。
  然后,为什么说他很了不起呢,我觉得,是因为他创造了一种新的表达方式。
  不知道大家小的时候,有没有玩过这个游戏:在一本书每一页的一角都画一个小人,每一页都有一点变化,翻动书的时候,小人就会动起来,有时候是在跳绳,有时候是在打拳。我们表达一个动作,或者讲述一件事,有时需要5、60张小图,但是我们精减一下,也许10张就可以了,就好像漫画,如果我们再精减一下,也许5张就可以,但如果我们想要在一张图上,既表现一个完整的事件,又表达出我们对它的看法,一般的方式就不够用了。比如一个人,眼睛很美,鼻子很挺,头发盘在脑后。可是,当我们看见眼睛的正面,就看不到鼻子的侧面了,看见鼻子的侧面,又看不到后脑勺了,要完全表达清楚,就需要正面,侧面,背面,三张图,可是,三张太多了,而且还会有很多多余的信息。而毕加索就想出了一个办法,让正面侧面背面同时存在在一幅画上,巧妙的接在一起,做到让人刚好可以认出的地步。有点像是一个,先砌塔,后抽牌,让塔刚好不倒的游戏。抽得太多,大家就不知道他在说什么,抽得太少,他想说得话就装不下,也是一个平衡吧。
  嗯,大概就是这样吧~~
发布于 2015-04-05

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Sah Lee


不上进




123 人赞同了该回答

很多时候并不是作品本身有什么无法超越的美学意义,而是作品在所处时代背景下具有的一些历史意义和文化意义。
我曾经问一个朋友,如果我说我觉得在卢浮宫里比蒙娜丽莎漂亮的画简直数不过来,是不是意味着我审美情趣有点问题。朋友说你说得很对,蒙娜丽莎从艺术角度讲的确挺一般的。它之所以这么出名,是因为它画的不是圣经人物也不是宫廷人物。它是一个新时代诞生的标志。毕加索也一样。他成名并不是因为他的抽象艺术的“技术”好,而是因为他是“立体主义”的创始者。
还想再说一点:毕加索的画虽然难懂,但是实际上反而很直白。因为他画的就是他看到的世界的样子,扭曲的,支离破碎的。如果你碰巧能体会到他的心境和视角,你就会喜欢。否则那些画就是不知所云,而你也大可不必为此纠结。
发布于 2012-01-29

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王晶


微信公众号:作者的艺术




5 人赞同了该回答

这个问题刚好可以引用我们在“谈艺会”的部分内容。
本文将讲解立体主义的价值和毕加索。
注:本文源于王晶2019年2月28日在“谈艺会”的部分分享内容。

一幅画好在哪,首先一定要看原作,分析其画面视觉因素,然后谈其深层内涵。
01 原作的魅力
学艺术为什么要看原作:原作是一副作品的本来面貌,是作者原本就要给你呈现的样子。原作者不会考虑印刷失真、不会考虑网络传输限制。他的作品,都是要与你当面对话的。
没有艺评家能写尽一副绘画所有的好、所有的细节。所以谈艺术,多久都能谈下去,谈多少都能谈下去。
所以我们首先看看这次巴黎游学拍摄的视频。



6秒带你看懂立体主义






            其实刚刚这6秒钟,只是给你看明白了毕加索的大体思路。
毕加索主要的贡献那从毕加索的画到摄影之间有关联的又有哪些线索,或者是怎样在作品里面用抽象的元素表达自己的创作意图呢。
作者在绘画、创作的时候,其实都是有根源的,他们不是突发奇想,灵机一动,突然想出来这么个主意,画了一幅简单的画而已。尤其是大师作品,在其中,包括了整个西方美术的发展。
毕加索在绘画的时候,其实是在提出想法,并且拿作品来作为证明,他的画,是需要你去对话的,他的思维很高,很巧,同时,也是个谜团。点开了,就破了。破了之后,欣赏才刚开始。
确实,毕加索观察到了三维空间转二维之后的平面,并且将这些平面重新组合了。但是这种思维方式,并不是灵机一动。而是艺术发展的必然。不是毕加索,也一定会有其他人提出来。
艺术是什么,这是个巨大的问题。上次,我们谈了一下人仍然在文明之初时的艺术。今天突然跳到毕加索,有点快。但是没关系。
因为纵横这几千年的艺术,有一个根源的点:人其实是分不清什么是自己的内在世界,什么是真实的外在世界的。我们所有人的意识,都是存在于我们的头脑和身体当中的。
几千年前,我们不仅分不清内在的想象世界和真实的世界,而且根本不知道自己是谁。贡布里希在《艺术的故事》中,一开始就告诉我们:艺术一开始是魔法。
02 会魔法的艺术
为什么是魔法?因为文明之初的人,其实是人类在婴儿时期。他们分不清人、世界的关系。他们以为,画了牛,就等于是捕获了牛;他们以为,绘画可以下咒语。
人在这种情况下,可以生活几千年而不变。
因为这些思想、这些幻想,形成了稳固的集体幻想。社会由集体幻想而产生。
在集体幻想下,我们可以以神的名义,去集体捕猎、征伐。所产出的生产力,又维持了社会的增长和稳固。这就是集体幻想的力量。
如果大家看过一部巴西电影,叫做《上帝之城》。里面就有这样的场景,两个黑帮火并,两个黑帮都在火并前祈祷。他们向同一个神祈祷,祈祷的都是自己的幸运。
这就是集体幻想下,社会力量之间的冲突。大的幻想创造国家,创造历史;小的幻想支撑着每个人的生活。
毕加索的出现,是在文明、人的智力发展到极高水平之后的事。是进入了现代时期的事。
一战和二战时期,人仍然在为国家而战。这种战争和冲突的来源,其实就是民族与国家幻想的稳固。而这种稳固,是有前提的。
前提就是:人们都认为存在绝对的真实。
我所看到的,和你看到的,必定相同;我所信仰的,必定是真实。而且这个真实是绝对的。
毕加索的出现,是在这种真实的幻象被打破之后的事。一战二战带来的影响非常巨大。它不仅仅是塑造了世界秩序。同时,给人的心灵冲击非常之大。之前我们在线下课讲过,Le Fevre所画的《真理》,在今天看来是陈词滥调了。
画一个安格尔式的裸女,又崇高,又诱人,然后标题是《真理》,这种想法,在一战之后就已经不成立了。
因为你把真理画成美丽的裸女,就说明:
1、真理值得追求;
2、真理显而易见;
3、真理很崇高。
但是你的真理,与我的真理,两者冲突时,就是血淋漓的一战和二战。
所以二战之后,人们的幻想被打破了。这种打破的力度、深度,前所未有。人们开始直接质疑绝对真实的存在。这种思潮之下,个人的价值、个人的叙述,突然开始变得重要起来。
立体主义,初看是一大堆的方框、方块。但其实它是,对外在世界的重新审视。
立体主义发现,原来外在的世界是可以被理性地分解的。这是个大发现。
不知道有多少同学今天在学CG、学游戏。其实大家看到的今天极其真实的电影CG,都是由多边形绘制出来的。
你把《阿丽塔》的眼睛放大再放大,把她的头发放大再放大,你会发现,那是无数个多边形,运算出来的。对。所以立体主义者不仅仅是在画画。他们其实是发现了一种新的观察法,一种理性的视觉分析方法。而这种理性,来源于二战后,民族主义国家的覆灭!
否则的话,大家都还是同一个脑子,同一种思想,大家都觉得自己眼中就是真实,怎么可能出现立体主义
这就是我说毕加索必然出现,而且如果他不出现,别人也会出现的原因。
这是上次,我们讲埃及时,引用的《书吏》的坐像。
埃及历史是在公元前。这座雕塑,在极力展示作者对书吏的理解。腰部坚实有力,肌肉敦实,有大量体脂,说明他养尊处优。大家想想,埃及当时的生产力是什么水平?
这是上次我们分享的埃及文物。其实是棺木。
大家可以看到,埃及文字非常复杂。刻在石头上的,是埃及人的圣书体。
这说明几点问题:
1、埃及人的书写系统非常复杂,只有专职人员能掌握;
2、埃及人使用了大量的人力、物力,来维持社会的生产力水平。
书吏,就是整个社会环节中,为运转起到关键的书写、计算、安排事务性工作的那个人。
到了毕加索的时期,书吏这一职位,其实演变成了文官、政治机构。人数极大地增加了,社会运转效率极大地提高了。由此,个人的生产力,其实是一点点被解放出来了。
03 立体主义的价值
这是个极其漫长的过程。漫长到从神权国家,进入到民族国家,又进入到现代国家,才到达这样一个分裂的点。
所以我们回顾一下:毕加索不仅在这幅画里,画出来了女人的立体样貌被分解又重构之后的样子。其实他是找到了一种理性分析真实,然后重新建立平面二维绘画的方法。
而在这其中,有两个价值:
1、理性分析真实,将一切真实,切成无限的几何体。这个价值,我们已经说了,发展到今天,立体主义发现的这一艺术原则,成为了今天科学计算的方法。《阿丽塔》的眼睛、头发,其实就是无限的几何体。
2、重新构成平面绘画,就成为了一种平面绘画的方向。因为我们发现,我们完全看得懂这幅画。尽管它不是我们习惯的真实,但我们居然看得懂。
所以毕加索提简直像写了篇论文一样,告诉你他的头脑是怎么分析事物的,而且加索是带着全面的色彩、体积分配、质感描绘去创造出来的。
这是海牙博物馆的立体主义雕塑,是由布拉塞拍摄的。立体主义者在思考的时候,并不是简单地,像文艺复兴时期那样,简单地拆成块面来思考。他们的思考方式,也是立体的。
他们其实是,在空间中,不断地围绕实体进行观察,求得每一个线条、方块之间的立体关系。
他们在空间中打着转地观察,不是观察一个面,而是把整个立体关系放在脑子里。我们所看到的绘画,只是他们深思熟虑以后,给你的平面结果而已。
所以这种观察意识才是真正的关键!人们发问,发现真实不存在,那么真实存在在哪里呢?我们先彻底观察一遍再说吧。然后他们的意识中,出现了新的意识:立体观察的意识。而且他们的立体观察是延续的。他们的立体观察,并不仅仅是看一个面,然后机械复制下来。在他们的头脑中,立体是流动的,是持续的。
当艺术不再有维持社会幻想,形成国家、社会的重要作用之后,其实艺术是头脑的玩具。
这是Julio Gonzalez的雕塑



这是Julio Gonzalez的雕塑

这是立体主义时期的雕塑
这是Gonzalez的《吻》
他们不仅仅在立体中观察,也在立体中思考,同样在各种材料、维度上实践这种观察。
Gonzalez的这个《吻》,就是典型的立体主义思维早期的作品。因为他在观察方法思考方法上,使用的是立体方法。但是在形成作品时,部分运用立体,部分运用的仍然是象征和浪漫的思考方式。
所以会同学说,毕加索很狂热。他后期的作品越来越散、乱,看不懂。
其实就是对立体主义这一思维方法,舍弃了象征、浪漫,舍弃了最后一点具象之后,完全流动的意识当中,立体的变化与流动。
大家可以试验一下,在你眼前摆一个杯子,记住它的样子,然后闭上眼,回忆它的样子,你会发现,其实你根本回忆不起它具体的样貌!但让你闭着眼去摸它的边缘、它的角,你仍然能摸到!因为你的视觉,辨识的是它的材质、结构、空间中的关键点位!而不是它真正的形态!而不是它真正的形态吗,所以其实是你自己的头脑在流动!
这时,我们好像突然回到了“不是幡动,而是心动”那句话。
这句话是有道理的。但它也只描述了一个现象,而没有描述根本原理。这种根本原理,今天我们的科学发展其实还在探索当中。所以今天,我们也只是从一副毕加索的画,来随便聊聊心智的发展,人的迷惑和发展。
这是Constant所做的《德翁颂》,这个作品已经是1969年的了,这时的作品,已经有了极度的精致。极度精致的分析方法,极度精致的作品堆砌方法,极度精致的材质使用和审美,我们就开始越来越接近21世纪了。
本次分享就到这儿了,更多有意思的艺术知识欢迎加入谈艺会。


编辑于昨天 16:22

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五香天使


花儿




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不知道题主有没有看过
《毕加索与公牛》
看完之后你就会知道毕加索有多么牛逼 以及他为什么这么牛逼
放几张截图

第一稿
完全可以证明他牛逼的功底


第二稿


第三稿
注意旁边毕加索的头像
他开始增加维度 用多个视角组织画面


第四稿
开始 分解 研究


第五稿
可以看得出牛的重要结构组成

第六稿
尾巴变得更简单却也更写实了
去掉了更多的繁复 保留,融合了更重要的结构


第七稿


第八稿


第九稿


最终
你以为艺术家只是随便的画的一笔
却不知道这一笔花费了他多少心思和时间
他要做多少研究 经过多少思考
简简单单的一笔 却画出了 当人们想起公牛时的 所有特征

你以为这都是瞎画的嘛
这些人脸都有很多个维度很多个透视很难画的
编辑于 2016-03-14

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黎明






193 人赞同了该回答

我是美院油画系毕业的,算是专业人士,我也许可以解答你的疑问。(原创见解,绝对不是网上粘贴过来的,也不是人云亦云地拾人牙慧,这是我的独立思考)
问:普通大众看一张画,比如一张肖像,第一反应回答会是什么?   通常答案会是:画的真像 OR 画的不像。他们判断一张绘画作品的好坏标准就是“像”与“不像”,没有美术修养的人往往会默认性地选择“现实主义”的评判标准(这里不含任何褒贬意)因为人的判断不可能超越他的认知范围,也就是说,大众选择“现实主义标准”其实是没得选(唯一选项)。
毕加索在美术史上一个很大的贡献就在于他的“解构主义”,这是一个全新的思路,完全背弃了古老的“现实主义”。为什么大众会说看不懂毕加索的画,其实很简单:因为你们在用“现实主义”的眼光去审视“解构主义”的作品,两者完全不兼容,看得懂才奇怪了,明白?(那些东扯西扯,说的云里雾里的家伙,其实自己不懂。)
我可以把我的观点进一步拓展:比如拿“印象派”与“后印象派”做一个比较。
印象派(开山鼻祖:莫奈同学)的宗旨就是玩色彩(自然色彩),捕捉真实光照环境下,绘画对象的自然色彩关系。
而后印象派(比如大名鼎鼎的疯子,梵高)则完全相反,后印象派的用色完全出于主观意识,与客观光线,色彩关系不大。
由此得出结论:你无法用印象派的眼光去欣赏梵高。(两者观念南辕北辙)
再举个例子:古典主义和刚才提到过的印象派。
古典非常讲究造型,画面让人感觉真实可信(现实主义倾向明显);印象派的祖师爷莫奈的主张与前者背道而驰,讲究明快的用色,排斥古典主义的严谨造型(懂点西洋美术史的人应该知道);换句话说,你用欣赏古典主义油画的眼光去看莫奈的画,你会发自内心的嘲笑莫奈:这个傻子压根不会画画(对不起,祖师爷)。历史上的实际情况也是如此,莫奈的画作刚刚以印象派面出现时,几乎没有人认同他的作品。
结论:人类与生俱来的默认视觉母语是“现实主义”。看不懂一种艺术形式的原因是“语言不通”,无法识别。
(不懂英文的人,你让他去看CNN......就这意思,明白?)






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 楼主| 发表于 2019-3-14 21:17:23 | 显示全部楼层
老树 发表于 2019-3-14 20:57
作者:急比轮
链接:https://www.zhihu.com/question/19934954/answer/24873463
来源:知乎

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